«    Июль 2018    »
ПнВтСрЧтПтСбВс
 
1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
31
 





-- Материальная помощь сайту --

--Бонус | Партнеры--



Сейчас на сайте:
Пользователей: 0
Отсутствуют.

Роботов: 2
YandexGooglebot

Гостей: 19
Всех: 21

Сегодня День рождения:



В этом месяце празднуют (⇓)



Последние ответы на форуме

Дискуссии О культуре общения 183 Моллинезия
Стихи Мои стихи Кигель С.Б. 1864 Кигель
Стихи молчание - не всегда золото 250 Filosofix
Флудилка Время колокольчиков 198 Герман Бор
Флудилка Курилка 1954 Герман Бор
Обсуждение вопросов среди редакторов сайта Рабочие вопросы 517 Моллинезия
Флудилка Поздравления 1635 Герман Бор
Стихи ЖИЗНЬ... 1600 Lusia
Организационные вопросы Заявки на повышение 775 Моллинезия
Литература Чтение - вот лучшее учение 139 Lusia

Рекомендуйте нас:

Стихи о любви. Клуб начинающих писателей



Интересное в сети




 

 

-= Клуб начинающих писателей и художников =-


 

О технике акварельной живописи, ч.1

 

       
       О "резерважах" (как оставить "белое").

       Расцвет акварели начался с отказа от белил. Индивидуальные возможности акварели, до этого времени, зачастую, подменялись готовыми "живописными" решениями.
       Важнейшей задачей, пожалуй, является "оставление белого", т. е. "резерважа". Собственно, по умению выполнять резерважи и определяется класс акварелиста. Резерважем в акварели называется сохранённая белая часть листа. Каким образом исполняются резерважи?  Естественно, что их исполнение имеет особенности при работе "по - сухому", "по - сырому" и "полупросохшему" листу.
     
        1. Резерважи, выполненные с помощью "маскировочных жидкостей",  превращают акварель в  декоративный "трафарет", и, уж точно, не добавят мастерства акварелисту. Вне поля зрения нужно оставить накладки бумажным скотчем, парафин, восковые карандаши и т.п.
 
       2. Обработка высохшего красочного слоя различными "механическими" способами, с целью "выявления белого" допустима. Однако нарушает фактуру бумаги, а в больших количествах, может привнести "грязь" и нарочитость.

       3. Возможно высветление необходимых мест с помощью кисти по непросохшему или высохшему слою. Подобное "высветление" не достигает цвета бумаги. Кисть, при этом, может быть как "отжатой", так и "наполненной". В последнем случае, при работе по непросохшей поверхности можно получить различные "естественные" формы пятна, что может пригодиться, например, при исполнении "растительности" первого плана в пейзаже. "Вымывать" можно не только чистой водой, но и "цветом".
       Можно "высветлять" и другими "инструментами", например, салфеткой.
Существует, также, приём снятия полупросохшего красочного слоя мастихином или стэками. Наиболее эффективен на сортах бумаги, с низкой впитываемостью красочного слоя, например, полусинтетических. Имеет узкое применение.

       4. Не имеет смысла, подробно рассматривать "обходку" по сухому листу малых размеров. При больших размерах листа, писать "в обход белого", естественно, сложнее. Если, конечно, ставить себе задачу сохранения "ровности" красочного слоя. В большей части, виной тому страх не успеть продолжить красочный слой до его высыхания и вовремя "сконтактировать" его при обходке. Здесь нужна практика и здоровое нахальство. Край обходки, в этом случае, получается контрастным.
       5. "Обходка "по-сырому" заключается в умении чувствовать необходимое соотношение количеств воды на бумаге и кисти одновременно, с тем, чтобы краска не затекала за назначенную границу.  Приобретается с опытом.
       Общие советы следующие:
       При начале работы, лист не должен "бликовать" водой. Чем больше воды на бумаге, тем меньше воды на кисти. В этом смысле, регулировка воды на кисти, может осуществляться "естественным" путём, в зависимости от выбора материала ворса кисти:
       -Белка держит много воды и много пигмента.
       -Колонок набирает меньше воды и более "организован" ввиду своей большей упругости.
       -Синтетика  воду держит на минимуме.
       Во время "обходки" кисть должна идти не по границе, а на некотором расстоянии от неё, с учётом последующего растекания краски. Понятно, что чем "суше" лист, тем меньше растекание. Наверное, стоит упомянуть о возможности просто подуть на "заплывающий" резерваж, с целью разогнать затекающую краску, или "прижать" его границу феном. Размытость границ, в данном варианте может варьироваться в широком диапазоне.
       6. Попробуем объединить 4-й и 5-й пункты.
Просохший верхний слой листа, как можно более равномерно,  покрываем водой (или слабым раствором) с помощью кисти (флейца), в обход необходимых мест. На границах  сухих островков, убираем отжатой кистью излишние скопления воды. Даём слегка подсохнуть (или подсушиваем феном) и начинаем работать. Определение необходимой влажности листа, приносит только опыт. Этот способ позволяет сочетать достаточную чёткость резерважей с "сырым" исполнением. Дальнейшим развитием этого способа, является "активный" рисунок в сочетании с приёмом "проскальзывания" кисти.
       7. В процессе применения п.3, с учётом п.4 и возможностей по заливкам 5-го пункта, так же зарождается мысль об их "совмещении". На равномерно влажной поверхности листа, превентивно осушаем отжатой кистью необходимые участки. Такой приём с успехом "проходит" не на всех сортах бумаги.
       8. Интересные результаты дает работа с феном, когда, ориентировочно, подсушиваем предположительные места резерважей, и (или) задаём градиент влажности листа. И в этом случае, необходимые места так же можно, до нанесения краски, подсушить беличьей кистью. Данный вариант, конечно, несёт в себе больше случайностей. Но "случайность" в акварели не всегда является недостатком, особенно, если она прогнозируема.
       Стоит отметить, что ни один приём не универсален. Они могут не вписываться в избранную методику работы над конкретным листом и разрушать "цельность" акварельного листа. Деление акварельной техники на "сырую" и "сухую", достаточно условно. Оно определяется степенью влажности листа, на момент начала работы. В дальнейшем, количество "сухих" и "сырых" элементов, целиком зависит от авторского произвола.


       О красках.

       Основополагающая задача акварелиста, по отношению к краскам, выбрать собственную палитру (гамму) с возможностью её модификации и стойкими внутренними смесями. Работа с постоянной проверенной палитрой, в известной мере, раскрепощает художника своей предсказуемостью.
На наш взгляд, "великой объединяющей" краской, является охра. Она не даёт грязи в наплывах "тёмных" цветов, не выпадает в "зелёное" при наложении "холодного" ряда. Золотистая охра предпочтительней всех "жёлтых" красок. Охру может заменить сиена.
Оранжевую можно считать излишне "кислотным" цветом для "открытого" использования. Охра и сиена, с добавками, например, кармина, дают более элегантные тональные решения.
       Из "красного" ряда предпочтительна красная железноокисная. "благородная" по тону, светостойкая краска.
Краплак в смесях работает как кармин, но обладает гораздо более низкой светостойкостью.
В конце прошлого века, можно было бесконечно рассуждать о лессировочных достоинствах голубой ФЦ и её "лояльнсти" в смесях, при этом проклиная её собственный тон. Ныне, времена изменились в сторону разнообразия качества цветов.
       Из "синего" ряда хороши железная лазурь и бирюзовая. Отдельно стоит отметить церулеум, как краску, расширяющую возможности в передаче "голубого" неба. В частных решениях интересен кобальт. Ультрамарин желательно использовать редко, ввиду его "крупнодисперсности", особенно ощутимой в прозрачных слоях. Пригоден для создания локальных цветовых и фактурных эффектов и проработки теней.
       Фиолетовую и изумрудную нужно воспринимать как "декоративные краски". Иногда их используют для локальных цветовых эффектов, требующих максимальной "чистоты" тона, которого не добиться смесями. Эти краски эффективны для моделирования оттенков в резерважах.
Сомнительный темно-зеленый, будет рабочим, в сочетании с фиолетовой, для написания "вечерней" и "ночной" зелени.
       В контексте реалистической передачи зелени, из красок этого ряда, предпочтительна виридоновая. В чистом виде, или будучи модифицированной (смеси с охрой, фиолетовой и чёрной), она дает все возможные оттенки.
       Умбра - может дополнять или заменять "зелёные", а так же служить "холодным" завершением "коричневого ряда, в контексте его цветовой перспективы.
       "Коричневым" краскам" (марс, умбра жженая, и т.п.) предпочтительней черная, модифицированная  железоокисной красной или кармином.
Сепия используется в монохромных и дихромных (с охрой), работах.
Нейтральные краски заслуживают упоминания. Добавка к смесям чёрной, микширует цвет, что особенно полезно в реалистических пейзажах. Использование черной в чистом виде должно быть обосновано.
Таким образом, сложившийся "базовый" набор выглядит так:
Охра
Голубая ФЦ
Кармин
Виридоновая
Умбра
Железоокисная красная
+
Сажа газовая (преимущественно только модификатор)
+

Основные расширения "холодного" ряда:
Бирюзовая, и церулеум
       Примечательно, что все вышеперечисленные краски светостойки. Сами цвета имеют меньшее значение чем их сочетание.
Белой краски в акварели не бывает, даже если в купленном наборе окажется тюбик с нахальной надписью "Китайская белая"…
У разных производителей не всегда совпадают названия некоторых красок, а одинаковые по названию могут различаться по тону.
     
       Среди технических способов старых акварелистов можно еще   отметить способ приготовления акварельных чернил. Акварельная краска   разводилась в небольших бутылочках крепким раствором. Этот способ   позволяет быстро приступать к делу, иметь готовый прозрачный, отстоявшийся раствор краски, давая возможность проверить новую краску,   установить ее технические качества. Наиболее целесообразно разводить чернила из тонких лессировочных красок. Применение акварельных чернил важно во время большой и интенсивной работы, когда приходится  разводить много красок и доводить их до густой концентрации. Применение чернил важно и в миниатюрных работах, где необходима максимальная   насыщенность, яркость, прозрачность, тонкость красок, рассматриваемых на  близком расстоянии.


       Раздел:  "Техники и технологии" 

       Организация рабочего места.

       Из-за технологических особенностей работы с акварелью необходимо организовать рабочее место по-особому. Материалы должны быть расположены доступно и удобно. Для этого используются табурет, тумбочка или столик нужной высоты. Что касается мольберта, то трудно рекомендовать какую-то универсальную конструкцию, все известные мольберты только частично соответствуют профессиональным требованиям. Главное для работы с акварелью - мобильность рабочей плоскости, потому что в процессе работы внезапно может понадобиться различный наклон планшета с живописью. При этом должен соблюдаться максимальный обзор рабочей плоскости без лишних перспективных искажений. Наверное, можно изобрести какую-то особую конструкцию для этих целей, но на практике оказывается удобным обходиться двумя стульями. На одном стуле (табурете) можно сидеть, на втором, с помощью съемной коробки высотой примерно 15 см (чуть выше уровня колен), достаточно удобно расположить горизонтально планшет с живописью. Важно, чтобы при работе рука с кистью была вытянута, а спина прямая. При таком положении угол обзора будет максимальным, а видимые искажения - минимальными. Чем крупнее размер листа с живописью, тем чаще нужно отходить и смотреть на нее с расстояния. В этом случае, может быть, лучше работать стоя, тогда работа будет располагаться на столе или специальном мольберте, но с обязательным условием мобильности наклона и контролируемой устойчивости планшета.
       При нанесении рисунка и для живописи по-сухому рабочую поверхность лучше установить на расстоянии вытянутой руки в наклонном положении, параллельном взгляду. Работать можно стоя, установив планшет на мольберте, и сидя, в этом случае планшет устанавливается на стуле со спинкой или на мольберте подходящей конструкции.
       На пленэре рабочее место может быть организовано еще проще: если нет удобного этюдника для работы стоя, то можно работать сидя на складном стульчике, планшет для этюда держать на коленях, материалы расположить прямо на земле, постелив вниз клеенку, чтобы ничего не растерять и не испачкать.
       Перед началом работы художник должен позаботиться о правильном освещении. Для живописи лучше всего подходит естественное дневное освещение, так как оно не дает искажений цветового восприятия. Если ситуация заставляет работать при искусственном свете, то надо постараться приблизить его по спектру цветового излучения к дневному. Свет галогеновых ламп считается оптимальным в сочетании с отраженным от белого потолка помещения светом ламп дневного освещения. Источник направленного света должен быть с левой стороны (если вы работаете правой рукой), тогда не будет тени, падающей от руки, мешающей видеть освещенную рабочую плоскость...


       Подготовка бумаги к живописи.

       Немалую проблему во время живописи водными красками создает мокрая бумага. Впитывая влагу, она сильно увеличивается в размере, образуя при этом на рабочей поверхности "холмистый рельеф с реками и озерами", куда устремляются бесформенные потоки живописной массы. Из этого положения видится один выход: работать по сухой бумаге, натянутой на планшет, и держать рабочую поверхность в наклонном положении, приближенном к вертикальному. При этом стараться быстро делать цветовые заливки, не давать бумаге сильно намокать и контролировать течение воды с растворенной в ней краской, которое в этом случае непременно будет происходить по закону земного притяжения, т.е. краска будет медленно или быстро стекать вниз. При такой методике, напоминающей архитектурные отмывки, бумага быстро снова становится сухой, не образуя ненужных "затеков". Но работать по-мокрому при сильном наклоне очень затруднительно, надо учитывать, что пока на листе есть заметная влажность, изображение будет "съезжать" вниз.

       Как правильно подготовить бумагу к живописи?
В случае, описанном выше, лучше всего натягивать бумагу на планшет следующим образом. Смоченный с обеих сторон и слегка подсушенный лист акварельной бумаги укладывается на планшет, на края (под размер акварельного листа 1-1,5 см) или боковые деревянные стороны которого нанесен хорошего качества клей ПВА. Аккуратно прижимая бумагу к проклеенному планшету и слегка растягивая ее к краям, нужно следитьза равномерной растяжкой сторон и углов. Нельзя бумагу перетягивать, прилагать чрезмерные усилия, потому что при высыхании она сильно стянется и даже может лопнуть. Чтобы клей быстрее скрепил бумагу с планшетом, можно слегка подсушить место склейки феном.
       Есть другой способ подготовки бумаги к работе. В обращении к истории английской акварели XIX века уже рассказывалось о живописи по сырой бумаге с применением стиратора и мокрой ткани. Используя опыт работы в технике акварели и современные материалы, следует найти оптимальное решение контроля над влажностью бумаги. Благодаря этому бумага держит воду в течение длительного времени, что дает неограниченные технические возможности в живописи акварелью. Вот этот способ: на горизонтально установленный пластик (органическое стекло) надо ровно постелить мокрую тонкую хлопчатобумажную ткань. Для этой цели очень хорошо подходит марлевая ткань, благодаря редкому плетению она удерживает воду в ячейках между нитями. Затем на эту рабочую поверхность положить смоченный с двух сторон лист бумаги, проверить, чтобы не было бугорков и пузырьков воздуха под бумагой. Рабочая поверхность должна быть ровной. Края листа лучше немного прикрыть тканью для предотвращения их быстрого высыхания. После этого сразу можно приступать к живописи по-мокрому. Если требуется выполнение иных задач, то надо подождать, когда поверхность бумаги равномерно подсохнет, этот процесс можно ускорить с помощью бумажных салфеток или бытового фена. Легко поглаживая бумагу ладонью руки, проверяем степень ее готовности к работе. Такой подготовкой достигается уникальное состояние бумаги: она становится мокрая и сухая одновременно.
Что это дает для живописи? Во-первых: живописная поверхность будет ровная в течение всего времени работы, независимо от используемой акварельной техники и от размера акварельного листа.
       Во-вторых: мокрая бумага будет так долго мокрой, как это потребуется, нужно только регулировать влажность ткани под бумагой (быстрота высыхания бумаги зависит от влажности воздуха, поэтому для стабильного состояния очень хорошо, если климат в помещении не сухой и не слишком влажный). Широкой кистью или губкой всегда можно увлажнить лист с тыльной стороны и ткань под ним, если они начали высыхать.
       В-третьих: можно писать одновременно по-сухому и по-мокрому. Это не парадокс. Ведь мы получаем бумагу мокрой внутри и сухой снаружи. И если сделать мазок акварелью, то он не будет растекаться, так как подсушенная поверхность бумаги будет вести себя так, как если бы бумага была действительно полностью сухой. Если потребуется, можно дождаться естественного высыхания мазка или же подсушить его феном, тогда можно будет писать поверх него, как в технике по-сухому, при этом ничего не нарушив. Однако можно использовать уникальную возможность сохранять этот мазок влажным или даже очень мокрым долгое время. Внутри него можно писать по-мокрому и затем плавно списывать с другими частями живописи.
Когда бумага подготовлена таким способом к живописи, становится понятным секрет сочетания "мокрых" и "сухих" техник при одновременности процесса, а также секрет работы над светлыми деталями на темных фонах без кроющих белил и резерважа из клея. Таким образом удается делать большие работы, сохраняя при этом, где нужно, мягкость акварели и акварельные эффекты и достигая "сделанности" в деталях и материальности объектов изображения...


       Начало работы. Композиция.

       Прежде чем приступить к работе, нужно ясно понимать, что вы хотите сделать и зачем. С этого начинается любой творческий процесс. Например, в кино сначала рождается идея, затем пишется сценарий, создается материальная база, собираются талантливые исполнители - только тогда режиссер начинает снимать фильм.
       Что есть сценарий в акварели? Прежде всего, это композиция, оформление идеи в композиционном решении. Такое решение может быть спонтанным, как озарение, угаданным или подсказанным чем-то увиденным. Но все-таки это обычно результат творческого поиска и непрерывной интеллектуальной работы, это выражение мысли и чувства в ритме, пластике, напряжениях и ударах линий, цветовых и тональных пятнах. Создание композиции - это создание программы действий. В этой работе участвуют логика, опыт, чувство и интуиция художника.
       Изображение может быть задумано в любом стиле или жанре. Работа может иметь реалистическое, декоративное или вообще лишенное всякой фигуративности решение. Но при этом надо помнить, что композиция сама по себе достаточно абстрактное понятие. Она является первоосновой в искусстве. В ее сути лежит представление о гармоничном устройстве мира. Древние художники и ученые даже пытались вычислить гармонию, и они оставили нам в наследство главный секрет всех идеальных пропорций - формулу золотого сечения.
       Глаз человека с рождения воспринимает гармонические, пропорциональные отношения, существующие в природе, как естественные, а в искусстве они являются основой симметрии, ритма, соразмерности и красоты. Можно проверить композицию логикой и математикой, что доказано в многочисленных ученых трактатах. Не углубляясь в подробности этого вопроса, заметим только, что в самых талантливых произведениях изобразительного искусства, принадлежащих к различным направлениям, подготовленный зритель всегда увидит гармонию внутреннего построения. Художники обычно говорят о своих творениях, что они "сложились", когда нельзя ничего ни убавить, ни прибавить, все стоит на своих местах и нет ничего случайного. Не об этом ли мы читали у Д.Судзуки: "Вещи красивы там, где они неизбежны".
       Истинный художник от природы одарен чувством гармонии и композиции, однако это качество в себе можно развивать и воспитывать.

       Подготовительный рисунок.

       Прежде чем начать рисунок, необходимо внимательно изучить объект рисования, проанализировать, как элементы изображения соотносятся друг с другом.
       После того как  полностью продумано композиционное решение, можно сначала выполнить эскиз, а можно сразу приступать к рисунку. Рисунок для живописи акварелью наносится легкими линиями, напоминающими паутинку, которые являются только подсказкой, намеком на форму и фиксированием композиционных направляющих. Необходимо хорошо чувствовать нажим карандаша, потому что твердым карандашом можно поцарапать бумагу, оставить вдавленный след, а мягким карандашом можно перегрузить ее графитом, так что он будет размазываться рукой во время работы и пачкать бумагу, к тому же грубые линии трудно стираются ластиком. Поэтому надо избегать ошибок в рисунке и лишних коррекций, стараться беречь поверхность акварельного листа. Иногда лучше делать предварительный рисунок, который переводится на акварельный лист через стекло с подсветкой.
       Нередко возникает пугающая проблема: во время живописи легкие линии рисунка теряются под красочным слоем. Как тогда ориентироваться в работе? Как писать сложные акварели, не сбиваясь и не нарушая рисунка? Ответ на этот вопрос один: надо хорошо чувствовать рисунок и композицию, помнить, что натура - это всего лишь подсказка, дающая эмоциональный импульс художнику. Профессионалы всегда отличают "срисовывание" с натуры от настоящего рисования, так же, как легко отличают фотографию, сделанную равнодушной техникой, от результата живого восприятия художника. "Срисовыванием" называют рисунок, сделанный без всякого отбора, фиксирующий объект изображения по принципу "похожести" путем передачи всех видимых внешних подробностей, это механический процесс копирования реальности без творческого поиска. Тогда как настоящий рисунок - это творческий процесс передачи сути изображения, содержания его внутренней формы, отбор наиболее характерного и важного для создания образа.
Рисунок - это сценарий ведения акварельной живописи: как и где поставить цветовые и тональные акценты, где использовать технические эффекты, как обыграть материальность того или иного предмета.
       Когда рисунок выполнен, необходимо вновь сосредоточиться и постараться зафиксировать его в памяти. Помните: процесс живописи - это не раскрашивание предварительного рисунка, а продолжение рисования кистью и цветом. Тогда во время живописи акварелью удастся преодолеть главную трудность - робость перед непокорным материалом и страх потерять рисунок. Только так появится возможность свободно, не допуская ошибок, "рисовать краской". Действительно, в акварели много случайности, но все же можно утверждать, что очень многое в удачах, "сложившихся случайно", предопределяется сформированным в сознании художника образом и его профессиональными навыками и опытом.

       Первый сеанс всегда очень напряженный, он может длиться восемь часов почти без перерыва и от его результата зависит дальнейшая судьба работы. Очень важно не сделать ничего лишнего, так как любые исправления могут негативно повлиять на качество работы (это зависит и от возможностей бумаги). Также очень важно взять нужную силу тона сразу, т.к. работать по уже написанному фрагменту надо крайне осторожно, можно утратить качество живописи. Пока не произошло высыхание "живописного теста", его можно "месить", достигая нужного результата по возможности в один прием. Сохраняя естественность и непринужденность в касаниях, держим под контролем рисунок. Это непростая задача, даже при наличии достаточного терпения и такта: приходится работать с некоторым напряжением, чтобы движения кисти были точны.
       Необходимость работать над деталями в акварели создает для художника много технических трудностей. Здесь играет свою роль все: большой формат листа бумаги, горизонтальное положение рабочей поверхности, необходимость работать "на вытянутой руке", сырая поверхность живописи, которую нельзя потревожить, чтобы не нарушить результат работы.
       Чтобы решить некоторые из технических проблем, художники пользуются муштабелем, длинной ровной тростью с зацепом на конце для опоры на край работы, или постановкой руки на мизинец. Точечная опора на мизинец, по возможности, на сухую поверхность, дает устойчивость руке во время работы, а кисть с длинным черенком дает возможность работать с деталями на большом расстоянии.

       Последовательность ведения работы.

       Неопытный художник часто задается вопросом: с чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго?
       Если в работе решается проблема пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Наиболее наглядный пример - это ландшафтная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.

       Натягивание бумаги в конце работы по-мокрому.

       После решения основных задач живописи по-мокрому, бумага фиксируется на пластике с помощью бумажной клеящей ленты. Ненадежные участки закрепляются зажимами. Лента аккуратно  фиксируется теплым воздухом с помощью фена, обеспечивающего равномерность высыхания и натяжение листа бумаги. Важно следить за натяжением углов, чтобы лист не покоробился. Но если натяжка бумаги не получилась хорошо сразу, то можно еще раз попробовать это сделать, для чего надо аккуратно удалить ленту, снова увлажнить тыльную сторону и натянуть лист.  Некоторые виды бумаг срываются с клеящей ленты. Но всегда есть более надежный способ: лист с живописью можно приклеить на деревянный планшет с помощью клея ПВА.

Часть 2 (ссылка активна)

0


Ссылка на этот материал:


  • 0
Общий балл: 0
Проголосовало людей: 0


Автор: Public
Категория: Мастерская художников
Читали: 1338 (Посмотреть кто)

Размещено: 2 июня 2013 | Просмотров: 3419 | Комментариев: 1 |

Комментарий 1 написал: Inna (3 июня 2013 12:21)
Статья не плохая для начинающих художников. Здесь есть все необходимые для начальных этюдов, те знания, которые позже можно дополнить методическими новшествами педагога-акварелиста Елены Базановой ( в интернете есть и её статьи и её мастер-классы). Но я, думаю, только начинающим рисовать не стоит начинать свою деятельность с акварельной техники. Это очень сложная техника, требующая определённых скоростных (уверенных) навыков.Она не любит правки. Начинать работать с красками, лучше с гуаши. Это кроющая краска и потому она позволяет делать поправки. Гуашь имеет один недостаток, она бледновата, но если её сочетать с акварелью( не с техникой, а материалом) с этим недостатком можно легко справиться.

Информация
Посетители, находящиеся в группе Гости, не могут оставлять комментарии в данной новости.
 
 

 



Все материалы, публикуемые на сайте, принадлежат их авторам. При копировании материалов с сайта, обязательна ссылка на копируемый материал!
© 2009-2018 clubnps.ru - начинающие писатели любители. Стихи о любви, рассказы.